Premio exclusivo de cine en casa

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Esta funcionalidad es sólo para suscriptores Suscribete. Artículo solo para suscriptores. Si ya estás suscrito, inicia sesión. Noelia Camacho. Viernes, 8 de marzo , La película 'La casa' dirigida por Álex Montoya ha sido elegida como ganadora del Premio Feroz Puerta Oscura a la mejor película en competición en la sección oficial del Festival de Málaga El galardón, otorgado por los periodistas miembros de la Asociación de Informadores Cinematográficos AICE acreditados en el certamen malagueño, se entregará en un acto informal en la tarde este viernes y formalmente este sábado en el marco de la gala de premios no oficiales del festival.

Ortueta, basado en la novela gráfica homónima de Paco Roca , está protagonizada por David Verdaguer, Luis Callejo, Óscar de la Fuente, Olivia Molina y María Romanillos, entre otros. Producida por Haciendo la casa AIE, Nakamura Films y RAW Producciones, se estrenará en cines el próximo 1 de mayo de la mano de la distribuidora A Contracorriente Films.

El Premio Feroz Puerta Oscura se entrega desde , si bien en sus dos primeras ediciones distinguió el mejor largometraje documental a concurso y a partir de se premia la mejor película de la sección oficial.

Las ganadoras anteriores han sido ' Tras la muerte de su padre, tres hermanos se reúnen en la casa familiar en la que pasaron los veranos de su infancia. Toca decidir qué hacer con la vivienda, lo que resultará más difícil de lo esperado.

Con un tono agridulce salpicado de humor, La casa nos habla sobre la familia, la herencia y sobre el inexorable paso del tiempo, todo bajo la mirada de la casa como testigo. La práctica deportiva recomendada para personas de 50 años: fortalece el corazón, tonifica brazos y piernas y ayuda a quemar calorías.

Se acerca el horario de verano: ¿qué día hay que cambiar los relojes? Ofertas con contrato fijo y sueldos de hasta Postales antiguas permiten descubrir grandes edificios desaparecidos en San Sebastián.

Cáncer de ovario: ¿Qué tipos de cirugías existen? Los mejores planes de primavera están en la Comunitat Valenciana. La revolucionaria forma de vender lotería de forma totalmente digital llega a Valencia.

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Premio exclusivo de cine en casa - Una vez que formas parte del "Club de los elegidos" puedes alquilar las películas de estreno por un precio que rondará entre los y los Missing Ganadoras del Premio Ariel: 65º edición | Ciclo de cine ; El norte sobre el vacío | Ciclo Temporada de premios Ariel. Del 31 de Enero. al 17 de Febrero de ¿Quieres llevar el cine a tu casa en cualquier momento? Participa en este concurso para lectores ABC Premium y podrás ganar esta exclusiva

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Portada Culturas Cine. Los críticos de cine premian 'La casa', la película inspirada en el cómic del valenciano Paco Roca La cinta, dirigida por el cineasta de la Comunitat Álex Montoya, ha recibido el Premio Feroz Puerta Oscura en el Festival de Málaga. Noelia Camacho Valencia.

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El Comercio. Postales antiguas permiten descubrir grandes edificios desaparecidos en San Sebastián El Diario Vasco.

Comentar es una ventaja exclusiva para suscriptores Suscríbete ¿Ya eres suscriptor? Inicia sesión. Necesitas ser suscriptor para poder responder. Su práctica artística se nutre de procesos textiles prehispánicos.

Temáticamente, el cuerpo femenino es protagónico en su trabajo. En su representación, los cuerpos se descomponen, se transforman y se estilizan hasta convertirse en motivos geométricos, inspirándose simultáneamente en las iconografías del Renacimiento italiano, el arte Pop americano y la tradición textil mexicana.

La obra de Pellizzi ha sido expuesta en Austria, Bélgica, Colombia, Estados Unidos, Francia, Italia, Marruecos, el Reino Unido y México, incluyendo exposiciones en el Museo de Arte Maya de Cancún y el Museo de Artes Populares de la Ciudad de México. Flaminguettes es un dúo creativo de chicas mexicanas que busca dar vida a proyectos de diversas disciplinas desde un punto de vista más personal.

Especializándose en proyectos y conceptos de alta calidad, Mara y Daniela dirigen y realizan animación, video, instalación y diseño para un amplio espectro de clientes y entornos. Han trabajado con clientes nacionales e internacionales como Air France, Cirque du Soleil, Nike, Adidas, Cerveza Victoria, Sony, ID Magazine, Vive Latino y el Jardín Botánico de Culiacán entre otros.

Paulina López Morales vive y trabaja en la Ciudad de México. Licenciada en Diseño textil y de moda por la Universidad CENTRO. Desde el forma parte de la docencia para la misma universidad, en la Especialidad en Diseño Contemporáneo de Joyería.

Su acercamiento a las artes visuales comenzó de manera orgánica, al tratar materiales naturales en la producción de piezas de joyería, como rocas calizas. Esto despertó el interés de Paulina por explorar los límites de la joyería en relación entre el cuerpo y el espacio.

En comienza la Maestría en Artes Visuales en la Antigua Academia de San Carlos, donde se involucró en la construcción simbólica colectiva del espacio público, mediante acercamientos al happening y performance.

Este mismo año, obtiene la Beca del FONCA para Jóvenes Creadores, la cual le facilita viajar a Alemania y Australia. La evolución y transformación del objeto petrificado forman parte primordial dentro de la búsqueda actual que motiva a Paulina.

Se ha involucrado con el estudio del cuerpo como territorio y la extensión del mismo en el espacio. Las piezas de Paulina, proponen una lectura entorno a la naturaleza de los materiales y las narrativas con implicaciones tanto personales como sociales.

Paulina ha expuesto su obra, tanto de joyería como artística, en lugares como el MUAC, Museo Franz Mayer, la galería Velvet Da Vinci en San Francisco, la Biblioteca de Melbourne en Australia, entre otros.

Así como diversos performances In-Situ en ciudades como Munich, Melbourne, Querétaro y la Ciudad de México. CUATA Jewelry es un estudio de diseño y taller de manufactura de joyas, integrado por las gemelas Elena Moncada e Isabel Moncada, donde ellas diseñan y elaboran joyería y algunas piezas de orfebrería.

Inspiradas en la dualidad, resultado del lenguaje que han desarrollado siendo gemelas. Trabajan en unión, logrando una gran sinergia gracias a la polaridad de sus personalidades.

Las piezas de la colección MAXA, presentes en la exposición Diseño en Femenino, están hechas con plata y con astas de venado y aunque hacen de cada modelo una serie, son únicas porque cada porción de asta que la compone es distinta en cada pieza. El venado ha representado, por muchos siglos en México y en otras culturas del mundo, un símbolo de espiritualidad y fuerza, la renovación perpetua de la vida y de las estaciones.

Una especie de alquimia; antigua práctica y diciplina filosófica que combina elementos de la química, la metalurgia, la física, el misticismo y el arte. Linda Franco es la cofundadora y directora ejecutiva de Machina, una empresa de tecnología de la moda que crea prendas que amplían la funcionalidad del cuerpo humano.

Linda ha sido nombrada una de las 30 promesas de Forbes México menores de 30 años, innovadora del MIT menor de 35 años, mujer emprendedora de alto crecimiento por el BID Banco Interamericano de Desarrollo.

Ha aparecido como una de las MakeHers de Intel, Women Tech Makers de Google, y ha dado conferencias en algunos de los eventos más destacados del mundo centrados en la innovación, el diseño, emprendedurismo, la sostenibilidad y la moda, como Wired London, Hardware Massive, Tedx, Women 2.

eventos en San Francisco, Decoded Fashion en Londres, Smart Content Conference Seúl, Tedx London, entre otros. Machina ha aparecido en The Washington Post, Fast Company, BBC, CNN, Vice, Hypebeast, Elle, Vogue y más. Linda y su equipo están llevando la industria al siguiente nivel con la idea de un streetwear inteligente.

El taller de arquitectura LANZA Atelier fue fundado en por Isabel Abascal y Alessandro Arienzo. Para LANZA la arquitectura es una manera de contribuir a la realidad y de posicionarse en el mundo.

El estudio otorga importancia a la belleza de los procesos de diseño y producción y a las personas involucradas en ellos. LANZA pretende realizar proyectos conceptualmente fuertes con formalizaciones sencillas y espacialidades potentes comprensibles por todos los públicos.

LANZA ha sido nominado al Premio de Obras de la Bienal Iberoamericana de Arquitectura , al Mies Crown Hall Award del IIT Chicago y , al Premio Debut de la Trienal de Lisboa , al Dezeen Exhibition Design Award y al Brick Award El estudio ha sido acreedor del League Prize del Architectural League of New York.

El museo SFMOMA celebró en la primera exposición individual sobre LANZA Atelier. LANZA también ha expuesto en la Bienal de Arquitectura de São Paulo y lo hará en la Bienal Latinoamericana Melissa Aldrete Lazo de la Vega estudió Dirección de Arte en la Universidad de la Artes en Londres, su formación multidisciplinaria se ha inclinado hacia la Investigación de procesos cerámicos y búsqueda de materiales naturales que provoquen sensaciones y generen diálogo.

Dentro de sus intereses está el Diseño, la Ilustración, la Biología, la Fotografía, la Tanatología y la Historia. Co- fundadora del estudio Cerámico Popdots, donde se generan productos comerciales en conjunto con investigaciones para la implementación de nuevos procesos cerámicos.

Co-fundadora de la Editorial MERMA y fiel admiradora de la Ciencia Ficción y los Videojuegos. Directora de la empresa Celulosa y Polímeros , Imprenta dedicada a las Artes Gráficas en el que se generan empaques y proyectos de diseño, donde se ha colaborado en conjunto de organizaciones como WWF World Wildlife Fund y la Organización de las Naciones Unidas.

Su trayectoria contempla exhibiciones en LDW London Design Week , MIDIM Muestra Internacional de Diseño Mexicano Milán, Barcelona, Madrid, Londres, , la feria WIT en hotel Demetria Guadalajara y otras ferias y festivales renombrados. Es socia fundadora de la editorial MERMA , colaboró con la plataforma Internacional Creative Mornings, y actualmente forma parte del colectivo OccidenteMX Cristina Paoli es maestra en Diseño Gráfico por la London College of Communication y licenciada en Diseño Gráfico por la Universidad Iberoamericana.

Es autora del libro Mexican Blackletter publicado por Mark Batty Publisher en Nueva York en Este es una investigación gráfica y teórica sobre el uso de la letra gótica en la gráfica popular mexicana. En funda en la Ciudad de México, PERIFERIA, un estudio de diseño de libros de arte y comunicación gráfica cultural.

En obtuvo la Mención Honorífica en la categoría de Colección del 1er Premio Latinoamericano al Diseño Editorial en Buenos Aires, Argentina por el diseño de la colección Folios MUAC, y en el mismo año el DAM Architectural Book Award otorgado por Deutsches Architekturmuseum y la Feria de Libro de Frankfurt en Alemania por el diseño del libro Talca, cuestión de educación.

En realizó la exposición Rótulos México en el MUCA-Roma de la UNAM, cuyo objetivo fue celebrar el oficio del rotulismo y sus cruces con el diseño gráfico. Daniela Garza Salinas, diseñadora gráfica, nació en Monterrey, Nuevo León.

Se especializa en la conceptualización de ideas, liderazgo de equipos creativos, así como creación y manejo de marcas nacionales e internacionales. Su enfoque es el aprovechamiento máximo de tiempo, talento y recursos en conjunto con la colaboración y sinergía de trabajo en equipo para lograr desarrollar proyectos multidisciplinarios memorables y distintivos en la industria.

En su carrera profesional ha tenido la oportunidad de transitar en diferentes roles dentro de Anagrama Studio, una de las agencias más importantes de Latino America, que ha dictado tendencia en la industria del diseño desde sus inicios.

Se ha desarrollado también como líder académica por medio de talleres, conferencias dentro y fuera del país, y como actual profesora de Maestría y Posgrado de Global Fashion Management en CENTRO. Actualmente es cofundadora de Bestia Durmiente, una marca de moda ética enfocada en el descanso hecha en México.

También es cofundadora de la plataforma Que Perra mi Amiga, una plataforma de transversalidad y empoderamiento con un enfoque inclusivo. Daniela es una mujer profesionalmente activa, que disfruta del arte, la gastronomía, la música, la moda y ama a los animales. Verónica Monsivais estudió la licenciatura en diseño gráfico en la Universidad Iberoamericana, en la ciudad de México.

Realizó el diplomado en comunicación visual en la Hochschule für Gestaltung und Kunst, en Basilea Suiza. Colaboró en el diseño de la tipografía Mayathán, para escribir lenguas mayas antiguas y modernas.

Es socia de Taller de comunicación gráfica, despacho de diseño enfocado principalmente en proyectos de carácter cultural tanto de identidad gráfica como editorial, para instituciones como el Museo del Palacio de Bellas Artes, el Museo Carrillo Gil, el Museo Nacional de Arte, la Fundación BBVA, el Fondo de Cultura Económica, el Centro Cultural de España en México, el Banco Mundial y Kew Gardens, entre otros.

Sus proyectos editoriales han sido reconocidos por varias instituciones promotoras de la lectura y del libro ilustrado. En el Banco del libro de Venezuela seleccionó su colección Había otra vez y recibió el premio de la American Association of Museums por la revista M Museos de México y el mundo y el premio Quórum en varias ocasiones.

Ha impartido talleres en el Centro de las Artes de San Agustín, en Oaxaca. Desde es docente en Centro de diseño, cine y televisión en la Ciudad de México impartiendo clases de color, diseño de letra y tipografía. Maricris Herrera se formó como arquitecta, y en su búsqueda por encontrar una salida más conceptual a su trabajo, le fue restando planos a las dimensiones arquitectónicas hasta encontrar una expresión gráfica cuyo proceso partiera del entendimiento del espacio tridimensional.

Evitando entonces crear discursos narrativos sobre lo que ya fue previamente conceptualizado, su trabajo se centra en la provocación de experiencias por medio de texturas, tipografías, cambios de papel y elementos sorpresa.

En fundó Estudio Herrera en la Ciudad de México como una práctica colaborativa para explorar las posibilidades del diseño en la producción de arte y cultura.

Además de ser uno de los principales estudios de diseño gráfico a nivel nacional, su trayectoria le ha ganado un lugar en el tejido efervescente del arte contemporáneo. Estudio Herrera presta servicio a instituciones privadas y públicas, museos, y líderes de diversos ámbitos.

Además, colabora extensamente con artistas, curadores, editores, arquitectos, y diseñadores. Su compromiso por comunicar el conjunto de valores implícito en la práctica colaborativa es lo que ha llevado a su estudio a forjar relaciones continuas con sus clientes.

María Marín de Buen es diseñadora gráfica por la Universidad Iberoamericana en la Ciudad de México y maestra en diseño gráfico por The Basel School of Design y The University of Illinois at Chicago. Su tesis de maestría fue presentada en la exposición Designpreis Halle en Alemania como parte de los nominados al premio de diseño.

El trabajo de María es una combinación entre proyectos de diseño gráfico comisionados y experimentos personales. La parte profesional se centra principalmente en el diseño de libros e impresos para el medio cultural y arquitectónico.

En su práctica experimental utiliza el medio editorial como salida para la exploración de temas como el tiempo, la memoria, los límites y el cuerpo humano. María trabajó en el Museo del Palacio de Bellas Artes y en el despacho CoDe Communication and Design desarrollando proyectos en Zürich y en Nueva York.

A su regreso a México, impartió clases de diseño editorial en la Universidad Iberoamericana y co fundó Proyectos ninguém, taller de diseño gráfico. En se independizó y creó su estudio homónimo de diseño gráfico. María formó parte del programa Jóvenes Creadores del FONCA en dos ocasiones en la categoría de Diseño editorial.

Frida Escobedo estableció su estudio epónimo en la Ciudad de México en Su práctica cuestiona los límites de la disciplina arquitectónica al operar en un amplio rango de escalas y medios; desde edificios y proyectos de conservación experimentales, hasta instalaciones temporales y esculturas públicas, objetos, publicaciones y diseño de exposiciones.

Inicialmente, la reputación del estudio se basó en la fuerza de una serie de proyectos galardonados dentro de su país natal, México, incluyendo entre ellos la renovación del Hotel Boca Chica , el Pabellón El Eco , y la ampliación de La Tallera Siqueiros en Cuernavaca En el logró alcance mundial al recibir el prestigioso nombramiento para diseñar el anual Serpentine Pavilion, ubicado en Kensington Gardens, Londres, convirtiéndose en la arquitecta más joven hasta entonces en llevar a cabo dicha comisión.

Más recientemente, Escobedo fue seleccionada como la arquitecta a diseñar la nueva ala de Arte Moderno y Contemporáneo del Museo Metropolitano de Nueva York, convirtiéndose en la primera mujer —y la más joven— en diseñar para la institución. Karim Molina Estudió Diseño Textil en Buenos Aires con una sólida formación laboral en Publicidad y Comunicación.

Actualmente vive en la Ciudad de México, nació en Venezuela con una rica formación cultural de sus vivencias en Italia y Argentina. Su carrera ascendente en México comenzó en Mérida donde ganó el concurso textil de la Escuela de Danza Contemporánea Cressida.

Tiempo después, se trasladó a la Ciudad de México, donde su trabajo transitó a la industria del diseño de objetos, convirtiéndose en una de las fundadoras de Ayres Studio, actuando actualmente como su principal talento. En , Karim, entre otros socios internacionales, dió a luz a El Salón Design, una exclusiva plataforma interseccional de Arte y Diseño con sede en Ciudad de México y Miami.

En los últimos años, su trabajo ha sido reconocido por la revista AD como parte de la lista de los gurús de la industria del diseño en México.

Mención que inspira su mente curiosa y comprometida a destacar como diseñadora. Sandra Weil nació en Perú, en una familia multicultural que tiene sus raíces en Turquía, Alemania, Brasil y Rumania.

Su pasión por la moda y el diseño le fue transmitida desde pequeña mientras pasaba los días en el taller de costura de su abuela. Utilizando su intuición creativa diseñó su primera prenda, esta pieza eventualmente se convirtió en un objeto de deseo entre sus conocidos.

Este evento marcó el comienzo de su proceso creativo. Estudió Artes Visuales con una especialidad en Diseño Gráfico en la Pontificia Universidad Católica del Perú y luego se matriculó en la Universidad Felicidad Ducé de Barcelona, donde se especializó en Alta Costura.

Durante más de 12 años, la moda ha sido su forma de descubrir el mundo, de expresarse y de relacionarse con los demás. La naturaleza es su principal fuente de inspiración, los fenómenos naturales son los más frecuentes en su universo creativo.

Sandra cree firmemente en la sustentabilidad, el comercio justo y en buscar tener un impacto positivo en el mundo al proveer de trabajo a los artesanos de la moda. Sus desarrollos siempre buscan ser piezas atesoradas, de múltiples usos y capaces de sobrevivir la presión de las tendencias pasajeras.

Sandra lanzó su primera colección en Su marca de ropa de lujo se estableció rápidamente como un jugador importante en el mapa creativo de México y América Latina. Las colecciones parten siempre del mismo punto de partida: el alma de los vestidos y los tejidos que dan vida a siluetas inesperadas concebidas para una mujer contemporánea.

Carmen Tapia es una diseñadora de platería formada en una sólida tradición familiar de plateros y lapidarios. Tiene estudios en la licenciatura en filosofía en la Universidad Autónoma del Estado de Morelos. Desde el dirige en Taxco su estudio-taller en el que realiza proyectos personales de arte y diseño, así como colaboraciones con artistas, diseñadores, galerías y empresas.

Su trabajo ha sido distinguido con más de 20 premios en México, entre los que destacan: tres Galardones Nacionales de Platería, el Galardón William Spratling, el segundo lugar en el Primer Concurso Internacional de Joyería Contemporánea en México, entre otros.

Su obra ha sido expuesta en museos, galerías y ferias de arte y diseño en México y el extranjero, algunos eventos destacados son: MAD about.

Jewelry, Museum of Art and Design NY, Brazil Jewelry Week. Sus proyectos de orfebrería han obtenido las becas de producción artística para jóvenes creadores y creadores con trayectoria otorgadas por la Secretaría de Cultura de Guerrero. En el año fue comisionada por el Gobierno de México para realizar el diseño de la Condecoración Miguel Hidalgo.

Carmen ha formado un sólido andamiaje teórico, formal y técnico, que le ha permitido sintetizar sus ideas estéticas en el lenguaje de la joyería contemporánea.

Durante su proceso creativo investiga y manipula las propiedades topológicas y plásticas de las superficies y cuerpos minerales. Martacarmela Sotelo tiene una Licenciatura en Arquitectura por la Universidad Iberoamericana, una Maestría en Artes Visuales de la Universidad Central Saint Martins y una segunda Maestría en Negocios, Innovación y Creatividad por la Universidad Centro.

En el fundó su estudio de Joyería Contemporánea y en el dirigió en México la Fundación Otro-Diseño dedicada a la Cooperación Cultural y Desarrollo; una organización sin fines de lucro con base en Holanda para promover la Joyería a nivel Internacional.

Martacarmela ha exhibido su joyería artística en diferentes museos como el Museo de Arte y Diseño de Nueva York, Bellevue Arts Museum en Seattle, Houston Centre for the Contemporary Art, Museo de Bellas Artes en Buenos Aires y Tallin, Museo de Antropología e Historia, Museo Amparo, Museo de las Culturas Populares, Museo Tamayo, Palacio de Iturbide y MUAC entre otros.

Ha participado en Design Week Nueva York, Londres y México. En el comenzó como profesora en la Licenciatura de Diseño Textil y Moda en Centro de Diseño, Cine y Televisión, en el se convirtió en la coordinadora del programa de Joyería Contemporánea y en el se convirtió en la Directora del departamento de Moda en esta Universidad.

Actualmente es la directora creativa de la marca TANE. Steph Orozco es diseñadora de Moda, establecida en Estocolmo, Suecia.

Dedicada al diseño de indumentaria, fotografía, poesía y arte. Desde el lleva la dirección creativa de su proyecto homónimo Steph Orozco donde cuestiona la producción en serie, el ciclo de vida de las prendas y el comportamiento social a través de la moda abordándola desde diferentes perspectivas borrando la frontera entre disciplinas.

Fue finalista en Project Runway Latin America, y exponente en plataformas nacionales e internacionales como Nicaragua Diseña, ; Exintex, ; Abierto Mexicano de Diseño, y Fashion Revolution Week México, Además de dirigir su proyecto de marca, desde el desarrolla la línea Replaceremake para la boutique de moda de segunda mano Replace Fashion y recientemente forma parte del equipo de diseño de la marca sueca Rave Review.

Cynthia Buttenklepper nació en Ensenada, Baja California. Realizó sus estudios de diseño de moda y textil con una especialidad en estilismo de moda en el IED Istituto Europeo di Design de Barcelona. Después de trabajar en países como España y Turquía regresa a México en el para fundar su marca homónima.

Ha presentado colecciones y participado en las principales plataformas de moda en México como Mercedes Benz fashion week y en ciudades como París y Nueva York. Ha colaborado con marcas como Nike, Honor, Patron, entre otras. Cynthia Buttenklepper experimenta con la esencia de materiales y el imaginario, encontrando así un sitio en el que las siluetas dialogan con la figura humana.

Crea colecciones controladas de piezas limitadas utilizando remanentes textiles dead stock fabrics de alrededor del mundo, mientras que implementa métodos tradicionales que rinden homenaje a la preservación de siluetas ancestrales. Las colecciones están compuestas de piezas que son tan complementarias como lo son versátiles y que funcionan entre sí para trascender en el tiempo.

Producidas en pequeños talleres en México. Cynthia está activamente dedicada al consumo consciente —parte fundamental del ADN de la marca—, y comprometida al desarrollo de la industria de la moda en México, compartiendo el diseño mexicano a través de nuevos ojos.

Felipa Tzeek Naal, hija de Olga Kantum Tzeek, forma parte de una comunidad que conserva la tradición artesanal, herencia familiar que se ha transmitido de generación en generación y que se ha convertido en su principal ingreso económico.

Felipa aprendió a la edad de 7 años y desde ese entonces, junto con su madre, han procurado preservar las técnicas originales de su comunidad.

Entre ellas, los diseños antiguos de la civilización maya en la elaboración de esteras. Estas piezas son elaboradas a partir de un tejido muy fino con grecas de colores, en las cuales utilizan la planta llamada Chackxin; una hierba roja que extraen del campo y se emplea para tintar el huan y así brindarle un color ocre.

Esta planta la han utilizado desde hace años. Tanto madre como hija han sido reconocidas por su labor artesanal dentro de su comunidad y también han recibido reconocimientos especiales, entre ellos el premio otorgado por Fomento Cultural Banamex.

Cristina Romo, a partir de la observación y análisis de su entorno cotidiano, sintetiza escenas y formas naturales en piezas decorativas y funcionales. Es la tercera generación en una familia de diseñadores plateros.

Creció en los talleres que fueron de su abuelo, Don Antonio Castillo y posteriormente de su mamá Emilia Castillo. Inmersa en un ambiente de creatividad y trabajo, a los cuatro años comenzó a diseñar prendedores de plata, mismos que vendía con gran demanda en las galerías en donde su madre exhibía sus piezas.

Junto a ella, Cristina fue tomando cariño por el trabajo orfebre. Mientras crecía y jugaba en el campo, la naturaleza fue permeando su ser y no es casualidad que en sus diseños encontremos representaciones e interpretaciones de elementos y situaciones naturales; árboles, insectos, ríos y flores.

En la adolescencia, dejó El Rancho, pero años después, regresó a vivir y trabajar allí. Comenzó a jugar con técnicas y materiales, dando forma a todos esos diseños que por años se gestaron en su mente. Y así, aquellos árboles, insectos, ríos y flores que algún día la hicieron soñar, retomaron su cauce y la hicieron volar.

Rufina Ruiz López, artesana de tierra, es la novena de once hermanos oriundos del municipio de Santa María Atzompa, Oaxaca.

Escultora egresada del Centro de Artes San Agustín Etla. Ha colaborado en diversas exposiciones entre ellas: Cómo hablar mal del puente si no lo has atravesado, en CASA Etla, Oaxaca, ; Cacao, museo del chocolate, CDMX, ; Diseño de objetos industriales, MUAC-UNAM; Voces que nacen del subsuelo, CASA Etla, Oaxaca, También se destaca su participación en la Bienal de Cerámica en Bélgica, ; Tierra y cielo, Revista internacional Vogue, ; El alma en el barro Revista AD Architectural Digest, A su vez ha impartido talleres como Jugando con el Barro en la escuela Papalote, Oaxaca y Titiritando el barro en el universo de Morales en el Museo Infantil del Niño MIO, Oaxaca.

En el presente año participó en la bienal iberoamericana diseño de producto industrial obteniendo mención de diseño sostenible con su proyecto Enfriador portátil de agua. Trine Ellitsgaard, es una artista textil danesa que vive y trabaja en Oaxaca, México desde hace 35 años.

Tras la creciente popularidad del mezcal, notó que los destiladores solo utilizaban el corazón de la planta de espadín y las hojas se descomponían en la tierra, alterando el frágil ecosistema local.

Trine Ellitsgaard convierte estas hojas de agave en fibras para tapices, inspirada en la cultura mesoamericana y el entorno que habita.

Su trabajo con la fibra del agave, se dio por su interés en la innovación y las fibras naturales, esto la llevó a colaborar con Hermano Maguey, una organización sin fines de lucro de impacto social local, para encontrar una forma creativa de resarcir el problema.

Para fabricar sus tapices, utiliza una máquina para extraer fibras de las hojas desechadas de Espadín, para después hilar la fibra a mano y teñirla con pigmentos naturales como la cochinilla y el índigo. Estos tapices se fabrican en el pueblo zapoteco de Teotitlán del Valle, Oaxaca, que tiene una larga tradición en la fabricación de textiles hechos con telares manuales.

A medida que cada pieza pasa por distintas manos, el resultado se vuelve una creación única que trae consigo las tradiciones del pasado al presente. La colección Agave es la forma de Ellitsgaard de preservar los textiles tradicionales y arrojar luz sobre un mundo interrumpido por la industrialización.

Maxine Álvarez es ceramista y vive en Guadalajara, México. Hija de la pintora Maxine Scherb Mc intosh, creció en un entorno artístico. Estudió Letras en UAG e inició de lleno con la cerámica en Los Ángeles, California en El diseño de Maxine se enfoca en resaltar la relación entre la pieza como elemento cultural cargado de significados y su interacción con una naturaleza que rebosa de diversidad.

Su inmersión e inquietud por entender las propiedades de las tierras recolectadas del entorno, los esmaltes de alta temperatura y de cenizas formuladas por ella, la han inclinado a entregarse a la investigación de materiales naturales y su interacción entre ellos.

Como ceramista se ha enriquecido al compartir sus hallazgos con la comunidad e interactuar con alfareros ceramistas mexicanos y de otras latitudes. En fundó Casa Ceniza, taller colaborativo y espacio de intercambio de conocimientos en donde se mantiene un continuo de invitaciones a artistas de fuera, además de charlas, exposiciones y talleres.

Con esto se ha creado un acervo de documentos y material para consulta el cual crece con la información de lo que se investiga y aprende cada día. Para Maxine el mundo que nos rodea contiene el lenguaje del origen. A través de sus piezas busca comprender el territorio en el que vivimos.

Su fragilidad, su resistencia, su adaptabilidad para después moldearse según la alquimia de los minerales y las inclemencias del fuego.

A través de sus piezas, nos presenta el carácter simbólico de un presente ligado al pasado que cuentan una historia y despiertan recuerdos, anhelos y pertenencia. Angela Damman es una marca de lujo sustentable, inspirada en la belleza de las fibras vegetales nativas y las antiguas tradiciones artesanales de Yucatán, México.

Desde , Angela y su talentoso equipo de artesanos han colaborado en el diseño y producción de textiles, productos de lujo y trabajos de edición limitada, hechos a mano. Los esfuerzos de Ángela no solo conectan conocimientos centenarios con el diseño contemporáneo, sino que también tienen como objetivo ayudar a estimular el desarrollo económico local y preservar el patrimonio cultural de las comunidades mayas.

Su trabajo se produce en su estudio, ubicado en una hacienda histórica en Yucatán, México, y en los pueblos vecinos. Ella cultiva sus propios materiales, incluyendo agave henequén, agave sisalana y sansevieria.

Su primer esfuerzo fue tejer un textil muy refinado a partir de fibra de henequén, utilizando el antiguo proceso de telar de cintura en colaboración con mujeres locales expertas en este oficio. El resultado fue un luminoso textil que abrió oportunidades para nuevos diseños y aplicaciones en el mercado de artículos de lujo.

Desde entonces, ha continuado explorando ideas únicas de arte y diseño con fibras vegetales, ampliando sus esfuerzos para incluir el agave espadín de los campos de Oaxaca. El trabajo de Ángela se ha mostrado en varios museos y exposiciones en México y en el extranjero, incluido el Museo de Arte Popular, Fundación de Artistas, Museo Universitario Arte Contemporáneo MUAC, Epiphany Arts Center Chicago, entre otros.

Ha aparecido en varias publicaciones, incluidas Vogue, Architectural Digest Mexico, Architectural Digest US, New York Times, entre otras plataformas de prestigio. Laura Noriega es Licenciada en Diseño Industrial por la Universidad de Guadalajara, en el , con dos experiencias internacionales en la Universidad Autónoma de Barcelona, España en el y en la Universidad del Bio Bio Concepción, Chile en Maestra en Arquitectura de Interiores por el Politécnico de Milán, Italia en Su experiencia profesional abarca el diseño de producto y de interiores, proyectos colaborativos y de investigación en temas como: cultura y sociedad, técnicas artesanales y territorio, experimentación de materiales, tendencias, innovación, entre otros.

Ha diseñado y dirigido talleres con diversas temáticas alrededor del diseño, el desarrollo y las tendencias tanto para la Academia de diseño como el sector privado e impartido conferencias en Congresos, Foros y Universidades en México y en el extranjero.

Directora creativa y cofundadora de la marca de diseño atemporal hecho a mano en México tributo que con su catálogo de productos para el hogar genera una cartografía de la diversidad cultural y material en México.

Sus proyectos, en forma individual y colectiva, han sido expuestos en importantes foros y exhibiciones nacionales e internacionales, como son: Ex Convento del Carmen Guadalajara, Museo Nacional de Antropología, Museo Franz Mayer, Museo Tamayo, Museo del CHOPO, Museo de Arte Popular, Dubai Design Week, Wanted Design NYC, Ventura Lambrate Milano, Tokyo Design Week, Salone Satellite del Salone Internazionale del Mobile en Milano, Berlin Design Week, Tent London, entre otros.

Perla Valtierra es la diseñadora y fundadora de Valtierra Cerámica. Nacida y criada en México, Perla ha vivido en París, Japón y Bruselas. Quizás nada la defina mejor que ser una eterna exploradora de tierras de minerales y texturas diversas, una alquimista que mezcla gamas y juega con esmaltes: esta búsqueda constante hace que su trabajo sea delicado, sí, pero contundente.

Los inicios de su marca -Valtierra- se remontan al estudio de la alfarería tradicional en varias comunidades de su país natal, entre ellas, Zacatecas y Oaxaca.

La necesidad de conocer otras técnicas la llevó también a estudiar en Japón, para entender procesos ancestrales, así como París y México, donde ha trabajado con el talentoso maestro Jesús Torres, en la elaboración de piezas que diseña y termina con esmaltes.

Aunque no descarta incursionar en otras áreas, su esfuerzo y creatividad como diseñadora se ha centrado en la cerámica y es autora de vajillas para destacados restaurantes y casas gastronómicas, así como de trabajos en el mismo material para hoteles y casas particulares.

Perla es una profunda creyente de que el arte que realiza es una forma de activismo -en el sentido de devolver el valor a los objetos de uso cotidiano y evitar el consumo de la producción masiva e impersonal- la diseñadora mexicana considera que no hay nada más emocionante que poder utilizar objetos de la vida cotidiana para acompañar las rutinas diarias.

Déjate Querer es un taller que transforma el fieltro en objetos textiles nómadas, de ensambles tejidos que nos conectan física y emocionalmente con nuestra humanidad.

En sus creaciones existe una implícita historia y conocimiento cultural, naturaleza y espíritu. Un proceso productivo y creativo que transforma conceptos y tradiciones. Déjate Querer teje conexiones emocionales en la historia de su material, en su proceso creativo y en sus múltiples resultados.

Si el tapete tradicional delimita y es finito como lo es un continente, Déjate Querer actúa como un archipiélago, una red de interrelaciones que generan diversidad, que conectan lugares y acciones sobre ellos.

Sus tapetes pueden migrar y reconfigurarse, además actúan en múltiples dimensiones no lineales. Están formados por piezas interconectadas de fieltro, un material que al mismo tiempo está constituido por interconexiones de lana.

Sus creaciones nacen de la experimentación manual, evolucionan con su digitalización, se unen por el entendimiento universal del tejer y finalmente con el tapete, donde se da una plataforma de encuentros humanos.

Su diseño es circular, donde la vida de sus piezas comienza con materia orgánica y cuando termina se regresa a la tierra.

Produce localmente con un objetivo Cero Residuo al continuar creando con el material restante. Los textiles representan un punto crítico importante de convergencia.

Por esto, Déjate Querer apuesta por su fuerza transformadora de consecuencias positivas y reales, de valor social y ambiental, para hacer frente a un presente y futuro que ya nos alcanzó.

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By Vudosar

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